Entre las cientos de películas indispensables para ver de todas las épocas del cine, elegí algunas que por un motivo u otro se salen de lo común, más que en la narración de una historia se basan en la concreción de una idea, de un sentimiento y te dejan pensando varios días después de verla. Son representativas de algunos de los directores que más me gustan y además tengo la ventaja de que el año que viene puedo elegir otras.
Un día de campo (Une Partie de Campagne, Francia, 1936) de Jean Renoir, c/Sylvia Bataille, Georges D'Arnoux, Jane Marken, André Gabriello. 40’.
Argumento: una familia de la burguesía parisina: padre, madre hija y novio, pasa un día en el campo a orillas del río. Mientras los hombres pescan y duermen, la mujer y la joven son seducidas por dos jóvenes del lugar. Para la señora no pasará de una simple aventura, pero para la joven será una experiencia para toda la vida.
- Una película impresionista donde a partir de las referencias pictóricas a Auguste Renoir (padre de Jean) utiliza de manera poética la luz de las diferentes horas del día como marco al estado espiritual y emocional de los personajes.
- Es una historia de amor y erotismo ingenuo de las más románticas del cine: porque tiene mucho humor y la escena del reencuentro de los jóvenes amantes es emocionante.
- La utilización de los planos: el que abre la profundidad de campo a través de la ventana al rio, los planos cortos que suspenden el tiempo del relato, los circulares en la hamaca, justamente reflejando la fugacidad del tiempo.
- La melancolía del final que aunque tenga fama de película inconclusa es redonda.
- Y porque concluimos finalmente que lo que no se vive en el momento se pierde para siempre.
Días de Ira (Dies Irae, Dinamarca, 1943) de Carl Dreyer, c/Lisbeth Movin, Thorkild Roose, Preben Lendorff-Rye, Sigrid Neilendam. 93’.
Argumento: en el siglo XVII en Dinamarca un hombre promete a una mujer condenada a la hoguera por brujería que la salvará si le entrega a la hija en matrimonio. Cuando vuelve el hijo del hombre a su casa conoce a la joven esposa y se enamoran.
- Por la hermosa fotografía en blanco y negro contrastando en el mismo plano los blancos más radiantes y los negros más oscuros.
- Por el planteamiento profundo sobre la religión, el oscurantismo, la superstición, el sexo, el amor, la muerte, los grandes temas del ser humano.
- Por las largas tomas que proporcionan la profundidad del estudio psicológico de los personajes y la estética muy cuidada de las imágenes.
- Por el inesperado e impactante final que reivindica el libre albedrío aún a costa del sufrimiento.
Rashomón (Rashomon, Japón, 1950) de Akira Kurosawa, c/ Toshiro Mifune, Machiko Kyo, Takashi Shimura, Masayuki Mori. 80’.
Argumento: En el Japón del siglo XII 3 hombres en un templo comentan los acontecimientos ocurridos a raíz de una violación y una muerte en el bosque. Los hechos serán revelados a través de las declaraciones de los testigos e involucrados en el crimen en la comisaria.
- Es considerada una obra maestra del cine
- Construida a partir de asombrosos flashbaks desde las diferentes perspectivas de los participantes y testigos del hecho
- Establece multiplicidad de relatos y pone en un plano igualitario todas las visiones posibles haciendo que el espectador vaya adoptando cada una de ellas para desecharla posteriormente
- Cuando la película parece tomar un camino repentinamente continúa por otro
- Posee momentos de poesía y lirismo extraordinarios
- Las actuaciones se alejan mucho del naturalismo y el realismo y se meten en la mímica y la gestualidad del teatro
- Tiene una mirada pesimista sobre la condición humana pero un final redentor
Los 400 Golpes (Les 400 coups, Francia, 1959) de François Truffaut, c/ Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble, Georges Flamant. 95’.
Argumento: Un adolescente parisino sufre la desatención familiar y por una circunstancia termina en un correccional de menores.
- Fue una de las pioneras de la nouvelle vague en su vertiente testimonial
- Un típico producto del cine de autor a la europea
- Porque es una muestra del realismo pero desde una nueva postura intelectual y estética
- Porque no hace concesiones en su durísima trama que se centra en el conflicto entre las ilusiones y el mundo real
- Porque fue un hito del nuevo cine europeo de la epoca
- Porque tiene uno de los finales más bellos y emocionantes de la historia del cine.
La Infancia de Iván (Ivanovo Detstvo, Rusia, 1962) de Andrei Tarkovsky, c/ Nikolai Burlyayev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov, Nikolai Grinko, Valentina Malyavina. 95’.
Argumento: un niño huérfano trabaja espiando a los nazis en el frente ruso durante la Segunda Guerra Mundial.
- La mejor manera de entrar a la obra de Tarkovsky, porque es sencilla, fácil de entender, no tiene simbologías elaboradas.
- Sin embargo es devastadora en su contenido.
- La fotografía y las imágenes son bellísimas.
- Película que no manipula la imagen lastimosa del “niño que sufre” , muestra con crudeza la destrucción de la infancia.
- Se puede leer en forma embrionaria alguno de los temas de la filmografía posterior del autor: reflexiones sobre el arte, la ciencia, los sueños, los recuerdos.
- Por su final sobrecogedor.
Teorema (Teorema, Italia, 1950) de Pier Paolo Pasolini, c/ Terence Stamp, Silvana Mangano, Laura Betti, Massimo Girotti, Anne Wiazemsky, Ninetto Davoli. 93’.
Argumento: Una familia de clase alta italiana, compuesta por un matrimonio, su hijo y su hija, recibe la llegada de un misterioso joven que irá alterando el comportamiento de todos ellos.
- Porque es difícil de clasificar, difícil de ver ya que no tiene un argumento preciso en relación a las acciones de los personajes
- Porque ofrece múltiples lecturas desde las ideológicas hasta las religiosas: que si es una critica a la burguesía, que si es una aparición de dios, que si es todo una gran metáfora, etc.
- Sin duda es un cine de poesía y pinta acertadamente el desmoronamiento de un grupo de personas cuando la vida que llevan se les presenta como un gran vacío
- Por la controversia que generó en su momento cuando la iglesia la considero “inmoral”, los intelectuales la aplaudieron, el público en general se divide entre quienes no le encuentran ningún sentido al relato y quienes creen que lo mejor que ofrece es la posibilidad de que cada uno haga su propia interpretación de lo que ocurrió en esta historia
- Por cómo termina el personaje de la sirvienta
- Porque tiene un final liberador que vuelve redondo el relato
Padre e Hijo (Otets y syn, Rusia, 2004) de Alexandr Sokurov, c/ Alexander Rasbash, Andrej Shetinin, Alexei Nejmyshev, Martina Zasukhina, Fedor Lavrov. 84’.
Argumento: Un hombre viudo vive con su hijo adolescente en el cual ve los rasgos de su mujer muerta. El amor del hombre a su esposa se manifiesta en el amor filial hacia el joven, incluso no diferenciándolos uno del otro.
- Porque es una historia distinta a todas las que he visto en el cine
- Porque es conmovedora y expresa un amor inexistente en la realidad: nadie puede amar a otro ser de esa forma absoluta en que lo expresa la película
- Porque las mentes cerradas ven en ella relaciones incestuosas y homoeróticas cuando lo que hay es una manifestación de un amor incondicional y la búsqueda del contacto físico produce una comunión entre dos que son uno: un padre y su hijo como continuación de su propia vida
- Por la poesía de las imágenes, los colores empastados, la cadencia del relato
- Por la lucha contra la muerte, el olvido y la separación de las almas
- Porque el final deja la emoción a flor de piel y toca el corazón del que la mira
- Porque nunca se justificará tanto como aquí llorar viendo una película
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